Dans un article de Slate.fr mis en ligne le 26 mars (samedi de Pâques) , on s’intéresse tout d’un coup à une étude publiée en 2012 dans The Journal of Neuropsychiatry and Clinical Neurosciences. Une équipe de psychiatres américains s’y était amusé à évaluer la santé psychique des grandes figures du monothéisme (en fait, du judaïsme et du christianisme). Le bilan est dans le titre, sous forme de question rhétorique : « Jésus, Abraham et Moïse était-ils psychotiques ? »

L’étude américaine concluait bien entendu par l’affirmative. Comme on le sait, dès lors que l’on passe entre les mains d’un psychiatre, on a de fortes chances de trouver sa place parmi l’une des nombreuses catégories listées dans le célèbre DSM (Manuel de diagnostique et statistique des troubles mentaux), parfois qualifié de « manuel qui rend fou ». Les grands héros de l’Ecriture n’y échappent pas. « Abraham, avec ses hallucinations mystiques, est le premier cas de psychose ». Moïse, en raison de son abandon précoce, serait plutôt bipolaire et « schizo-affectif ». Jésus, enclin au « suicide par procuration », un sujet dépressif terminant sa carrière dans une assez grave « phase mélancolique ». Sans parler de la crise épileptique de Saint Paul, conjuguée avec une tendance à l’hystérie.

L’auteur s’amuse en parodiant l’étude scientifique dont il suit tout de même, pas à pas, le raisonnement. Comme, au regard des citations extraites de l’étude américaine, les scientifiques semblent se parodier eux-mêmes, le résultat est assez troublant. Où cela nous mène-t-il ? La conclusion, qui est elle-même à la fois sérieuse et humoristique, semble donner une réponse. D’ailleurs, c’est ce que l’on attend d’une conclusion. « Il s’agit donc moins de décrédibiliser les monothéismes, lit-on, que de réhabiliter les patients souffrant de maladies psychiatriques. Et s’il y avait un futur Jésus parmi eux ? »

Au-delà de l’aspect blasphématoire de l’ensemble, voyons ce que tout cela signifie. Il fut une époque où l’on entendait volontiers des voix, où la présence du mystère parmi les hommes encourageait ces derniers à interpréter les signes de la nature, le moindre battement de leur cœur ou d’un papillon comme porteurs d’un sens caché. En termes modernes, on peut parler de communications infra-sensorielle, si l’on veut. Aujourd’hui encore, une personne d’une grande pureté, libérée du brouhaha de l’hyperactivité sentimentaliste ou égoïste, est capable de sentir les choses à distance. Tout comme autrefois, un moine enfermé dans son monastère, pouvait « entendre » que son oncle était sur son lit de mort et l’attendait. Il se levait, partait chez son oncle et le trouvait effectivement à l’article de la mort. On était aussi capable de faire partager ses rêves, à la manière du ramoneur de Mary Poppins.

Tout vient des États-Unis

Quelques jours plus tard (le 28 mars, lundi de Pâques), le Figaro publiait en ligne un article consacré à l’autisme :  « Autisme : l’incroyable retard français ». Retard dans le traitement, sans doute ? À moins que ce ne soit dans la proportion d’autistes au sein de la population ? En arrière-plan, bien entendu, en lisant notamment les commentaires on prend connaissance de certaines querelles de chapelles avec le financement public à la clef (grosso  modo : psychanalyse ésotérique vs. psychiatrie médico-chimique). Si l’on est soi-même un tant soi peu touché par la délégitimation des autorités (politiques, journalistiques, médicales, scientifiques, etc.), autrement dit atteint d’un grave syndrome paranoïaque (comment ne pas l’être ?), on en tire sans hésitation les enseignements : mensonges et manipulations de tous bords. Reste l’idée générale : que ce soit la vérité ou le mensonge, tout vient des États-Unis. La mode et tout le reste.

Qui sont les malades à la mode ? Ce ne sont plus les schizophrènes, les maniaco-dépressifs et les hystériques. Ce sont donc les autistes. Exit la galerie de portraits bibliques. Des ringards. Voici venir le nouveau monde et ses nouveaux profils. Au demeurant, depuis toujours, des artistes, des scientifiques, des originaux furent autistes. On évoque suffisamment, à cet égard, L’Idiot de Dostoïevski, sans parler de Beethoven ou Einstein. En général, ce sont des génies qui se sont exprimés dans un monde qui n’était pas le leurs. Les efforts inouïs qu’ils ont dû accomplir pour se confronter à ce monde qui leur était sans doute hostile, en tout cas inconnu, leur ont valu de se distinguer de manière incomparable.

Mais si l’autisme devient à la mode, si l’autisme devient, peut-être pas la norme (n’exagérons pas), mais au moins l’une des modalités de la normalité, le monde autiste deviendra l’une des modalités possibles du monde. Dès lors, les découvertes ou les créations des génies autistes ne seront plus la marque d’un certain parcours individuel que d’autres se chargeront de comprendre, d’interpréter puis d’intégrer au monde, mais formeront ensemble un édifice cohérent, une somme alternative, un nouveau monde potentiel. Un aspect du communautarisme.

La Silicon Valley, dit-on, est peuplée d’autistes. C’est en même temps une métaphore et une réalité. Les autistes se sentent bien parmi les nombres, parmi les langues et langages étranges qu’ils sont capables d’assimiler en un temps record. Ils ne s’embarrassent pas trop de ce qui forme pour le commun une limite entre le monde vivant et les différents modes de l’intelligence artificielle. Ils n’entendent pas des voix. Ils ont peu de relations avec le monde extérieur. La seule voix qu’ils entendent, c’est la leur.

Matrix, rappelons-nous, fut un film fondateur. Il dévoilait une critique assez pertinente de l’aliénation de l’homme du temps présent. Mais il ne donnait aucune solution sérieuse en vue d’une libération. Au contraire, il alignait des clichés dérisoires, comme cette orgie souterraine orchestrée par une sorte de pasteur galactique prêchant des banalités au dessus d’une foule mise en transe par une musique techno répétitive.

L’époque autiste n’entend pas de voix parce qu’elle s’est séparée de la transcendance. Elle n’est pas non plus capable de créer du lien entre les hommes, autrement dit, elle est incapable de créer une culture. La culture est inséparable de la transcendance. À cet égard, le christianisme et le catholicisme en particulier portent la responsabilité d’avoir depuis plus d’un siècle négligé le rôle culturel qu’ils avaient joué bon gré mal gré pendant des siècles. Dès lors, la technologie prend la place de la culture. La technologie, dont le transhumanisme est  la pointe pionnière, résout les problèmes existentiels en renvoyant l’homme directement à lui-même plutôt qu’aux autres (ne serait-ce qu’à une illusion des autres) ou à la transcendance (ne serait-ce qu’à une illusion de la transcendance). La solution des frères Wachowski, auteurs de Matrix, est éminemment individuelle, centrée sur soi-même. On vient d’apprendre en effet qu’ils ont changé de sexe. Tous les deux.

C’est arrivé au mitan des années 80 : la crise, le déclassement, la planification européenne, le progrès au forceps et les illusions perdues. Encore que les prémices de notre inexorable descente aux enfers soient apparues un peu plus tôt, dans cette période charnière qui va de la fin du règne VGE au tout début du pouvoir absolu de la rose. Entre tradition et modernité, comme dans un prospectus de syndicat d’initiative vantant un territoire sans intérêt avec une langue pâteuse et passablement élimée à force de trop lécher. Les communicants et les technocrates, les deux verrues de notre système éducatif, barbouillaient l’Hexagone à coups de slogans et de sectarisme. Ils voulaient notre bonheur contre notre bien.

Le monde d’avant se décollait par grosses plaques et l’avenir avait le goût saumâtre des dimanches soirs. Il nous a fallu une dizaine d’années pour se rendre compte du visage de notre pays où l’argent et la morale assombrissaient l’horizon. Trop tard, l’air était vicié. Nous avions perdu sans combattre, fidèle à notre sens de la débâcle. L’atavisme et la résignation ont plombé notre joie de vivre si tant est qu’elle ait existé un jour. Il est difficile de dire quand la France a choisi la voie de l’imitation. La mondialisation n’est rien d’autre qu’un numéro de ventriloquie. Une voix parle, seules les marionnettes changent avec la douloureuse impression à chaque fois de se faire mettre. Pour mieux comprendre ce passage entre deux mondes, la télévision s’avère un instrument de mesure d’une finesse d’analyse qu’aucun sondeur n’atteindra. Aucune marge d’erreur, tel un spectromètre, elle capte le moindre rayon, la moindre inflexion sociologique et tout ça, sans se coltiner de rugueux et soporifiques essais.

C’est le moment aussi où tous les grands intellectuels se sont mis à écrire dans un charabia qui faisait honte aux détenteurs d’un modeste et non moins solide certificat d’études. Ces grises années 80 n’ont pas le clinquant des seventies, le côté truqué de la disco et le faux-naturel du topless. On était loin aussi de l’insouciance gamine des sixties, il y avait pourtant ce goût amer des guerres coloniales qui a perduré si longtemps. Mitterrand à l’Elysée n’y changerait rien. Début 1980, la nostalgie s’installe dans les foyers et, cette fois-ci, les Trente glorieuses ont définitivement baissé le rideau. Dix ans après la flambée du pétrole, nous étions au pied du mur. La télé, instrument démagogique par essence, a saisi cet instant fugace où la mélancolie des existences tristes réchauffe les cœurs.

Les feuilletons vintage ou le reflet de ce que nous avons été

Comme il est bon parfois de pleurer, visionner des feuilletons vintage nous en apprend beaucoup sur ce que nous avons été. Un peuple où le bavardage courtois et le plaisir de se plaindre façonnaient les êtres, où les femmes à la voix grave nous empêchaient de dormir et où un semblant d’armature soudait encore les familles. En 1982, Nina Companeez présentait, sur Antenne 2, sa nouvelle série Le chef de famille produite par Mag Bodard. Elle y reprenait Fanny Ardant, Edwige Feuillère et Francis Huster, les héros des Dames de la côte. Une histoire de femmes sans féminisme béat et outrancier. La subtilité des rapports amoureux ne supporte pas les gros plans. Fanny Ardant interprète Katie, une trentenaire qui a réussi professionnellement dans l’édition (seule incohérence au scénario !) et soutient toute une tribu (mère, grand-mère, tante, fille). Les hommes n’y sont pas présentés comme des personnages secondaires, mais, au contraire, comme les spectateurs et les esclaves de leurs propres sentiments. Qui a pu croire, un instant, que les hommes menaient la danse ? Une ânerie répétée et exagérée par des suffragettes. Fanny Ardant qui incarne donc cette chef de famille est l’image la plus érotique de la décennie, d’un naturel à faire défaillir les places boursières. Le numéro cabot de Pierre Dux en gaulliste romantique vaut également le détour. Deux ans auparavant, la télé avait cédé aux sirènes du libéralisme échevelé. L’appât du gain devenait une valeur cardinale de notre République.

Aux Etats-Unis, Jonathan et Jennifer Hart (Robert Wagner et Stefanie Powers) jouaient aux justiciers milliardaires dans Pour l’amour du risque. La parfaite panoplie du fric superfétatoire, le viatique des futures « Panama papers ». En France, nous entamions la deuxième saison de Sam et Sally. Georges Descrières endossait le smoking d’un Arsène Lupin belmondesque, étrange croisement entre Bernard Tapie et Aldo Maccione. Cette comédie très légère, mise en scène par Joël Santoni, se regarde avec délectation pour la présence irradiante de Nicole Calfan, la femme fatale au doux regard d’enfant. Qui n’a pas vu Nicole, la rousse au carré court, monter dans une Cherokee Chief ne connaît rien aux élans du cœur ! A noter, le meilleur rôle de Jean-Pierre Coffe à la télé, dans l’épisode intitulée « La malle ».

En 1984, nous avons basculé vers cet ailleurs hors-sol. La Une, pas encore privatisée, avait des envies d’expansion économique. Pas loin de 200 lieux de tournage pour Billet doux, la série de Michel Berny et André Ruellan, avec, en vedette, Pierre Mondy qui court après ce fameux billet de 500 francs qui doit l’innocenter. Au casting, une palanquée d’acteurs européens, coproduction oblige, notamment la très charnelle Delia Boccardo, la musique de Vladimir Cosma et déjà le parfum d’une société plus aseptisée, mixée à la Bruxelloise. Si n’est Pierre Mondy, notre plus belle mire, qui s’accroche irrémédiablement au monde d’avant.

Le chef de famille – 2 DVD – Ecrit et réalisé par Nina Companeez – Koba Films Video.
Sam et Sally (saison 2) – 2 DVD – Mise en scène Joël Santoni – LCJ Editions.
Billet doux – 3 DVD – Réalisation Michel Berny – LCJ Editions.

Danny Cahill l’a mauvaise. Lui, grand gagnant de la saison 8 de « The Biggest Loser », qui avait fondu de 108 kg en sept mois — treize semaines dans le ranch de l’émission puis quatre mois de régime « en solitaire » — passant de 195 à 86 kg, n’a par la suite jamais réussi à se maintenir au poids qui a fait de lui la coqueluche des talk-shows américains dans la foulée de sa victoire en 2009. Six ans après, le recordman de l’émission affiche 133 kg sur la balance. Mince consolation, il peut se dire qu’il n’est pas le seul : sur les seize participants de la saison 8, seule une femme a réussi à se maintenir en dessous de son poids à la fin de l’émission. Les autres sont tous retombés dans leurs travers ; certains ont même dépassé leur masse d’avant la diète extrême.

Malgré leur désarroi, ces stakhanovistes du régime télévisé pourraient bien rendre un grand service à la science et enfin donner une explication à la théorie du « yoyo » qui condamne tant de personnes à reprendre leurs kilos perdus à la suite des efforts fournis. Le docteur Kevin Hall, expert en métabolisme au National Institute of Diabetes and Digestive and Kidney Diseases (NIDDK), a décidé de suivre pendant six ans les seize candidats de l’édition 2009 afin de comprendre l’évolution physiologique de ces personnes, ayant perdu énormément de poids en un laps de temps très court. Et il l’assure dans les colonnes du New York Times, les résultats sont « effrayants et incroyables. »

Il y a de quoi en effet. Le manque de courage et de volonté est souvent mis en avant pour expliquer la reprise de poids des ex-obèses à la suite d’un régime. Cependant, comme souvent, l’explication scientifique vient contrecarrer les mauvaises langues. L’étude du docteur Hall révèle que ce ne serait pas le mental des participants à l’émission qui est à blâmer mais bien leur métabolisme. Avant d’être enfermés dans le ranch de « The Biggest Loser », chacun avaient un métabolisme en accord avec leur morphologie. Autrement dit, leur organisme brûlait un nombre normal de calories par rapport à leur masse. Il apparaît alors que, à l’instar de l’horloge biologique, notre corps aurait donc une sorte de « balance biologique ». Et comme le premier peut être perturbé par une traversée rapide de fuseaux horaires, le second peut se retrouvé chamboulé par une baisse drastique de poids en un temps record. Nous serions confrontés à une sorte de « jetlag alimentaire ».

Un mécanisme de protection hérité de nos ancêtres

Durant l’aventure, les sept heures de sport journalières et les tablettes d’électrolytes comme seul encas ont eu raison de la surcharge pondérale des « grands perdants » mais ont, dans le même temps, entraîné un ralentissement de leur métabolisme. A la fin de l’émission, leur corps ne brûlaient pas assez de calories pour qu’ils puissent se maintenir au poids qu’ils avaient atteint au prix d’innombrables litres de sueur versés. Danny Cahill, qui est décidément le champion toutes catégories de cette téléréalité, flambe désormais 800 calories de moins par jour par rapport à ce qui est attendu pour un homme de sa morphologie. Même après avoir repris 45 kg six ans après, pour en peser donc 133 à ce jour, son métabolisme au ralenti continue de faire des siennes. Ce dernier lutte pour ainsi dire sans relâche pour revenir au poids initial du pauvre bougre.

Les autres participants ne sont pas en reste : Rudy Pauls, qui a failli ravir la première place à Danny avec 94 kg de moins à la sortie du ranch de la diète, brûle 516 calories de moins que la normale. L’anneau gastrique qu’il s’est fait poser après avoir repris 70 kg en cinq ans n’a en rien atténué le dysfonctionnement de son organisme. De son côté, Amanda Arlauskas, qui était passée de 113 à 73 kg, doit manger 591 calories de moins que ses semblables pour espérer se maintenir à poids constant. Afin de comprendre pourquoi le corps réagit ainsi, il faut se souvenir que ces mécanismes ont évolué pendant des millions d’années quand l’homme et ses ancêtres hominidés vivaient dans des conditions où la nourriture était rare et s’en procurer était difficile et dangereux. Ce qui est vécu aujourd’hui comme une malédiction par Dany et ses amis se révèle être en fait un avantage énorme quand vient la pénurie : face à un régime drastique que le corps vit comme une famine, il réagit en devenant plus efficace, dépensant moins de calories pour se maintenir.

C’est pas moi, c’est la leptine !

En plus du ralentissement inexorable de leur métabolisme, les participants à « The Biggest Loser » ont eu affaire à un autre trouble-fête : la leptine. Cette « hormone de satiété », comme son nom l’indique, régule le sentiment de faim. Un taux élevé de leptine indique au cerveau qu’un taux suffisant de graisses a été stocké dans l’organisme – la satiété intervient quinze minutes après l’ingestion des aliments – ce qui coupe la faim, alors qu’un faible niveau met en garde l’individu sur le peu de graisses présentes dans son corps et le pousse à s’alimenter afin de rééquilibrer les comptes. L’étude du NIDDK a démontré que les candidats de l’émission de téléréalité avaient un taux de leptine relativement normal lors de leur arrivée dans le ranch, mais que le régime draconien subit a totalement changé la donne. Au bout de plusieurs semaines d’efforts acharnés, leur taux de leptine, proche de zéro, les a rendus affamés en permanence. Le retour des kilos s’est ainsi accompagné d’une hausse sensible du niveau de l’hormone, mais celui-ci a stagné à peu près à la moitié de ce qu’il était avant que les candidats ne montent sur le tapis de course.

Additionnée au ralentissement du métabolisme, le faible taux de l’hormone peut donc justifier en grande partie la reprise de poids des participants, qui ne s’attendaient sans doute pas à autant de réticences de la part de leur organisme. Sans véritablement les consoler, ces explications leur ont néanmoins permis d’ôter de leurs épaules la responsabilité de cette reprise de poids. « Ce n’est pas aussi dramatique que si l’on vous disait que vous aviez une maladie, mais cela va dans le même sens. C’est comme entendre que vous avez une peine à perpétuité », déplore Sean Algaier, qui, avec 204 kg, pèse désormais plus lourd que lorsqu’il a débuté la saison 8 de « The Biggest Loser ».

La seule participante à avoir réussi à maintenir son poids à un niveau inférieur à celui de 2009, Erinn Egbert, se bat sans cesse contre son métabolisme et la faim pour ne pas rechuter : « Deux encas peuvent se transformer en une orgie pendant trois jours. C’est ce contre quoi je lutte. »

« Le corps met en place des mécanismes multiples pour vous ramener à votre poids initial. Si vous souhaitez maintenir la perte de poids, vous devez accepter d’avoir faim en permanence. Nous avons désespérément besoin d’agents pouvant supprimer la faim et qui seraient sans danger sur le long terme », explique le docteur Joseph Proietto, un spécialiste australien de l’obésité, qui a mené une étude sur la leptine et quatre autres hormones de satiété. Pfizer, le géant pharmaceutique américain, qui a flairé le bon filon, a commencé à tester une molécule sur des animaux dont l’action est semblable à celle de la leptine. Le but est de piéger les cerveaux de personnes ayant perdu du poids afin que le manque de leptine ne les pousse pas à se ruer vers le premier McDonald’s venu. Son développement n’en est qu’à ses balbutiements mais pourrait, à terme, représenter une grande aide pour les obèses désireux de perdre du poids et surtout une affaire en or pour Pfizer, qui dès lors pourrait inonder le marché américain où près d’un tiers de la population est obèse. En réalité, toute personne complexée par quelques kilos en trop pourrait en faire l’usage afin de faire bonne figure en maillot de bain, tout en espérant que ce remède miracle ne suive pas le même chemin que son cousin français, le Mediator.

Cette accumulation de déconvenues physiologiques pourrait bien décourager certains aspirants à la diète – ce qui est compréhensible –  cependant les experts outre-Atlantique s’accordent pour dire que la perte de poids raisonnable n’est tout de même pas sans espoir ; tous les individus ne réagissent pas de façon identique au régime. Et peut-être même finira-t-on par apprendre que dans notre société, qui a tendance à tout « pathologiser » pour souvent mieux nous déresponsabiliser, il reste encore une petite place pour la volonté, qui sait ?

Chaque printemps est celui d’une révolution quelque part. À chaque année son avril, mai, juin, « son » mai 68. Cette année, la jeunesse n’emmerde plus tant que ça le Front national et ne passe pas plus de temps que ça à la #NuitDebout place de la République. À moins que ce ne soit le contraire. C’est à n’y rien comprendre. Chacun y va de sa croisade et de ses barricades (surtout mentales), attendant son grand soir et au matin, quand le réveil sonne, il ne s’est toujours rien passé. Si l’inertie des masses est sans doute la principale épine dans le pied des militants et des agitateurs de tous bords, elle n’est pas l’apanage du dernier roman de Jérémie Lefebvre, Avril.

Comme s’il avait crié « Silence – Moteur – Action ! » et regardé cette poudrière paisible qu’est la France de 2016 s’embraser, l’auteur de La Société de consolation (2000) imagine la deuxième Révolution française placée sous le signe de la revanche des opprimés sur les oppresseurs. Comprendre des salariés précaires sur le grand capital. Une anticipation politique qui rappelle Soumission, bien que fondée sur un autre scénario, ni plus ni moins plausible. On y trouve peu de mentions des conflits culturels et religieux qui agitent les banlieues. C’est simplement un autre fusible qui a sauté. De toutes les façons, nous sommes nombreux en France à nous interroger, voire à prendre les paris, sur ce qui déclenchera la secousse finale, arrêtera ou fera se remettre en marche l’Histoire.

Dans Avril, c’est un mélange de bons souvenirs soviétiques, d’idéologie décroissante, de socialisme version XIXème siècle et de féminisme version théorie du genre — « dont les méthodes rappellent les heures les plus sombres de notre Histoire », s’indignent les médias étrangers —, qui pose les fondements du nouveau régime, après la dissolution officielle de la République française. On élit des « citoyens martyrs » qui disposeront des privilèges dont ils étaient auparavant privés et on les distingue des « citoyens sursitaires », entassés à la Courneuve, Villeurbanne, Saint-Denis, ou tout simplement guillotinés.

Dans ce chœur à plusieurs voix anonymes, venues de tous les coins d’un peuple de France ébranlé dans ses fondements émergent des réactions dissonantes. Les jeunes exaltés en conflit avec le désormais vieux monde de leurs parents : « Elle me rappelle que j’ai un BTS et qu’avec le piston de son frère j’ai des chances d’avoir un boulot chez Cofidis. Je ne lui dis pas que Cofidis n’existe plus. » Les défavorisés que leur sens moral refroidit : « Sur le Coran je prends pas la maison des gens ! » Les universitaires pressés de coller du jargon sociologique sur cette nouvelle réalité : « Moi, c’est là-dessus que j’ai envie de faire bosser les troisième année. »

Au milieu de cette cacophonie sociale et diplomatique, des menaces d’intervention militaire extérieure qui évoquent les premières heures de la République en France, le désarroi envahit les consciences, perdues dans ce mouvement collectif qui ne peut, évidemment, pas épouser les contours de toutes les individualités et apaiser tous les doutes. On entend d’un côté « C’est pas un régime communiste, hein, calme-toi ! » et de l’autre côté de la rue, on ressort la guillotine avec des yeux brillants.

Il paraît que les Français ont dans le sang une forme de tolérance envers la persécution des élites, héritée de Mai 68 et de la Commune. Il paraît qu’en parcourant la galerie des dégâts du communisme, les Français oscillent entre tentation et effroi. Le lecteur d’Avril est pris dans l’étau du « c’est horrible, mais… » et au moment où il pourrait y croire, un autre état de choses le rattrape: « On est d’accord, déjà la liberté c’est fini. »

On est d’accord. Soupçons de corruption du nouveau gouvernement, accusations de mauvaise foi, violence des extrêmes, dissensions internes interminables, « le temps revient sur lui-même comme un manège. »

Avril ne se termine pas, il est suspendu arbitrairement, il attend que les hommes fassent autre chose des révolutions que les germes des nouveaux totalitarismes. Nous avons encore de longues journées et de sombres soirées devant nous, à scruter BFMTV en songeant au chaos vers lequel nous fonçons et à répéter le « Qu’est-ce que je peux faire ? Chais pas quoi faire… » dans Pierrot le fou de Godard.

Avril, Jérémie Lefebvre, Ed. Buchet-Chastel, 130 pages.

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A entendre tous les propagandistes enfiévrés du numérique, chaque jour, l’écrit recule. Le digital a fait main basse sur l’information. Le « big data » compile, trie, hiérarchise à la vitesse de buzz l’éclair. Dormez tranquille, la machine travaille pour vous. Le journaliste d’investigation ne porte plus l’imper froissé du détective privé, il ne planque plus dans une 4L en mangeant un sandwich aux rillettes, il pianote sur son clavier à la recherche de l’algorithme vengeur. La lecture ne passera plus par le papier ! L’écran fait aujourd’hui abstraction. Le smartphone est tellement intelligent qu’il aura réussi à tuer Gutenberg et Théophraste Renaudot en une décennie à peine.

La « grande » presse qui n’a de grand que son aveuglement face aux nouvelles technologies a tout misé sur les applis en oubliant les vertus cardinales du papier. Passons sur le confort, le toucher, l’émotion, ce sont des gros mots que détestent les gestionnaires, parlons seulement du contenu. Les magazines historiques ne savent plus sur quel pied danser afin de capter cet être fourbe et versatile qu’est le lecteur aussi appelé consommateur ou client ou source de profit. Ils lui offrent des services essentiellement sur le Net, de la réactivité, de l’interactivité, enfin surtout des vidéos et des diaporamas plus digestes que de longs textes. On m’a volé mes feuillets ! Tous ces milliers de signes qui ont fait le charme de mon enfance, ont disparu. Et dans les kiosques, ces médias de poids ont copié les mêmes recettes lourdingues, des photos légendes et des tunnels de publicité avec de la déontologie et de l’objectivité à revendre, les cache-sexes du politiquement correct.

N’imaginez surtout pas que seule la presse féminine ou automobile soit touchée par cette course à la dématérialisation. Devant une telle incurie, des petits malins ont réagi en créant des « mooks », une hybridation réussie entre le magazine et le livre, de Charles à Schnock, ils se sont inscrits en quelques années dans le paysage et ont comblé la vacuité de leurs frères aînés. Même si le filon commence à s’user, ils ont prouvé que le papier comme survivance de l’ancien monde avait de l’avenir.

Pendant ce temps-là, toujours à la traîne, les quotidiens et les « news magazines » ont continué à creuser leur tombe. Ils changent de maquettes comme de chemises et s’enrhument à force de respirer l’air du temps. Les directeurs artistiques ont pris le pouvoir sur les directeurs éditoriaux en réduisant toujours plus la place des articles pour ne pas gêner les annonceurs. Les pages « livres » ressemblent à des vignettes, aux bons points de l’Ecole publique, elles ne sont qu’un prétexte à entretenir le mythe de la « Culture » comme fondement de la démocratie. Personne n’est dupe, quand les sujets de fond abordés sont : « Les écrivains et leurs chats », « Ecrire sur Mac, est-ce bon pour l’imagination ? », « Véganisme et littérature sont-ils compatibles ? » ou « Le tweet, une nouvelle poésie en marche ». Les professionnels ne font plus convenablement leur métier. Alors, ce sont des amateurs très éclairés qui prennent le relais avec des moyens souvent dérisoires. De nombreuses revues, gazettes, feuilles volantes, toutes de conception artisanale, élaborées par des amoureux des arts et des lettres, ont vu le jour.

De Service Littéraire à la dernière-née Raskar Kapac (le numéro 2 vient de sortir) en passant par Livr’arbitres ou le légendaire Bulletin célinien (35^ème année d’existence) de nos amis belges, toutes ces fragiles publications ont un point commun : le plaisir des mots sur papier imprimé. Elles sont vendues quelques euros, ont parfois des périodicités foutraques, elles n’ont pas été imaginées par une agence de communication, elles sont brutes donc irrévérencieuses. Et puis, elles n’ont pas opté pour la nouvelle cuisine, elles ne sont pas chichiteuses, elles donnent à lire ! On ressort de la table de lecture, rassasié, heureux, bousculé par la plume de vrais spécialistes qui nous ont parlé de Chaïm Soutine, Alexandre Vialatte, Cervantès ou Céline. Longue vie aux petits papiers, ce sont de précieux lanceurs d’alerte !

Pour plus d’infos :
www.servicelitteraire.fr
www.raskarkapac.wordpress.com
www.livr-arbitres.com
http://bulletincelinien.com/

Article réactualisé le 10 mai à 16h10.

Nouvelle salve de « monstres » chez Elephant films : l’éditeur poursuit avec pugnacité son travail de défrichage et nous permet de redécouvrir des films méconnus produits au sein du studio Universal. Car si certaines œuvres sont devenues de grands classiques comme les deux premiers Frankenstein, Dracula ou La Momie, il est plus difficile de voir aujourd’hui la flopée de séries B engendrées grâce au succès  de ces créatures mythiques.

Le Monstre de Londres est un cas un peu particulier dans la fondation d’un mythe. Historiquement, c’est le premier film de la Universal à faire apparaître la figure du loup-garou mais pourtant, il faudra attendre 1941 et Le Loup-garou pour que George Waggner impose définitivement le personnage à l’écran. C’est d’ailleurs dans ce film que Lon Chaney Jr incarne pour la première fois Larry Talbot et sa prestation lui vaudra de revenir de nombreuses fois sous cette défroque poilue.

Le film de Stuart Walker débute au Tibet où un botaniste et son assistant bravent tous les dangers pour trouver une plante extrêmement rare qui n’éclot qu’au clair de lune. Mais pendant ses investigations, le docteur Glendon (Henry Hull) est attaqué par une mystérieuse créature. Revenu à Londres, il se métamorphose en loup-garou les soirs de pleine lune…

Avec Le Monstre de Londres, le cinéaste pose les bases d’un mythe fécond du cinéma fantastique : les transformations terrifiantes de l’homme en loup lorsqu’arrive la pleine lune, la nécessité de tuer le monstre avec une balle (qui n’est pas encore en argent), la transmission de la malédiction par morsure… Pourtant, le film n’est pas encore un véritable film d’épouvante et ses ruptures de ton restent assez surprenantes.

Dans un premier temps, il débute comme un film d’aventures avec une expédition lointaine et des coolies qui s’enfuient dès qu’un mystérieux homme se présente aux explorateurs. De retour à Londres, le film devient une sorte de comédie mondaine assez drôle, peuplée de vieilles dames indignes adeptes de la bouteille et du clin d’œil égrillard. Il faut voir deux de ces honorables harpies se disputer les faveurs de Glendon qui réclame une chambre pour dormir : l’une d’entre elles assomme l’autre et affirme : « C’est ma meilleure amie mais elle ne connaît pas l’éthique du commerce » (ceci dit, ce passage illustre assez bien la vérité profonde dudit commerce !).

Enfin, le film aborde la thématique fantastique du loup-garou en s’appuyant sur une belle photographie à la limite de l’expressionnisme (éclairage lunaire, jeu avec les ombres portées sur les murs…). Si le loup-garou reste l’un des monstres les plus intéressants du bestiaire fantastique, c’est sans doute pour les tourments qui agitent l’âme de celui qui est victime de la malédiction. Ni grand seigneur méchant comme le vampire, ni créature monstrueuse dénuée de toute humanité comme celle créée par Frankenstein ; la lycanthropie représente à merveille la part d’animalité qui se niche en tout individu.

Alors qu’il est tout à fait normal quoique un peu asocial en journée, le docteur Glendon se laisse dominer par ses instincts bestiaux la nuit. Inutile de préciser la haute teneur sexuelle de ces transformations en loup : les crimes visent essentiellement des femmes (notamment les femmes adultères ou/et de « mauvaise vie ») et la malédiction met en crise l’équilibre du foyer (une épouse délaissée).

Le conflit du docteur Glendon est intéressant dans la mesure où il cherche coûte que coûte à protéger son épouse mais qu’il s’en éloigne irrémédiablement pour cette même raison et en prenant ses distances. Interprété avec talent par Henry Hull, le loup-garou de Stuart Walker présente une image assez nuancée de la nature humaine prisonnière de sa condition.

Que ce soit lorsque les vieilles dames se « lâchent » et s’adonnent à l’ivresse ou lorsque le scientifique se transforme en fauve, le cinéaste montre les frontières floues entre la civilisation et les instincts les plus bestiaux, entre la culture et la nature. C’est cette tension permanente qui fait tout l’intérêt de ce curieux Monstre de Londres…

Le Monstre de Londres (1935) de Stuart Walker avec Henry Hull, Warner Oland (Éditions Elephant Films). Sortie le 27 avril 2016.

Philippe Sollers a un don particulier pour débusquer les « barbouilleurs de littérature » et quand il les décrit, notamment dans son opus magnum Mouvement, il donne l’étrange impression de se dédoubler. Car ces « barbouilleurs » sentent que la poésie serait pour eux le salut. Mais la chose leur fuit entre les mains quand elle ne devient pas de la merde. Peu importe, dans l’empire du marketing, il faut que la pensée, tout comme la poésie, soient impossibles. « C’est la loi des marchés financiers », conclut Sollers qui, une fois encore, est persuadé d’avoir échappé à cette hydre grâce à Hegel et à la poésie chinoise. Certes, il reconnaît être très délabré. Mais indemne. Indemne de quoi ? On ne le saura jamais. Et d’ailleurs, il est douteux que quelqu’un s’intéresse à ce « barbouilleur de littérature », le seul à avoir compris que tous les interprètes de Hegel, y compris ses adversaires, se sont trompés. Car il ne faut pas l’interpréter, mais l’être.

Et Sollers qui veut l’être, qui pense l’être, ne nous aura rien épargné dans ce pensum indigeste, rien à l’exception de sa vanité. « Si la vérité est le mouvement d’elle-même en elle-même », comme le prétendait Hegel, ne prenez pas la peine de la chercher chez les barbouilleurs de littérature. Et moins encore chez Philippe Sollers qui, sans doute sous l’emprise des marchés financiers, a réussi l’exploit d’étaler sa culture en lui retirant toute saveur. La prétention pèse parfois plus que les marchés financiers, mais ce n’est quand même pas notre Hegel bordelais qui s’arrêtera à des détails aussi mesquins, tant il est imbu de son génie. Il est bon de savoir que de si nobles et vertueux esprits veillent sur la littérature française chez Gallimard. Ne serait-ce que pour cela, ils auront droit à notre indulgence et, chez les plus perfides, à quelques égards.

Mouvement, Philippe Soles, Ed. Gallimard, mars 2016, 240 pages.

Mouvement

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Le groupe rennais Les Nus n’avait jusqu’ici sorti qu’un seul album, en 1982. A l’époque, l’objet avait été accueilli par la critique comme un monolithe noir venu de l’espace : avec circonspection. Il n’empêche, le disque a depuis été repêché et applaudi par Miossec, Noir Désir et Étienne Daho (entre autres). A l’occasion de la publication d’un deuxième album remarquable, Les Nus reviennent pour Causeur sur leur odyssée rock et leurs chants un peu clivants.

Sébastien Bataille : Rennes était considérée en France comme la capitale du rock dans les années 80. Vous avez participé à cette effervescence au point de signer chez une major du disque (RCA) en 1982. Quels souvenirs gardez-vous de cette période ? Êtes-vous nostalgiques ?
Christian Dargelos (auteur et chanteur des Nus) : Évidemment que l’on ressent un brin de nostalgie. Ce vent nouveau qui a soufflé sur Rennes fin 70-début 80 reste gravé dans nos mémoires. C’était une belle époque à vivre, on partait de pas grand-chose et cette scène dite rennaise est devenue importante en France. On a su « professionnaliser » notre son et l’on s’est rapproché de nos cousins anglo-saxons dans l’esprit. On a gagné en crédibilité également en cherchant à trouver un angle original, que ce soit avec Marquis de Sade ou Les Nus, mes deux groupes. Mais c’est le passé, aujourd’hui on est en face d’un autre challenge, tout aussi excitant, celui de convaincre avec des chansons !

Tous les groupes français issus de cette scène post-punk foisonnante des années 80 ont disparu, à quelques exceptions près. Que vous inspire votre position de « survivants » ?
Nous arrivions de plus loin, même si le punk fut pour moi un déclic, et m’a désinhibé, le rock des années 70 m’a construit à travers ses groupes et leurs compositions qui allaient au-delà du rock’n’roll. Qui survit aujourd’hui ? Les Stones, Les Who, et même les Kinks qui reviennent à travers une comédie musicale qui se joue à Londres. Je persiste et signe que l’époque la plus créative dans le rock fut fin 60, début 70. Les Beatles et les Stones, ainsi que l’arrivée des studios multipistes ont contribué à cette révolution.  Maintenant, en ce qui nous concerne, nous avons disparu quasiment vingt-cinq ans avant de réapparaître pour un concert qui devait être sans suite. Et puis, le projet d’album a réenclenché la machine et Les Nus refont surface avec un LP onze titres dont on est très fier.

Votre premier album a été un échec critique et commercial mais a laissé des marques vives chez des gens comme Étienne Daho (producteur de votre nouveau singl, Noir Désir (qui a repris votre titre « Johnny Colère » sur leur album Tostaky) ou encore Miossec. La réhabilitation de votre œuvre est en marche semble-t-il…
On avait un répertoire plutôt bien foutu. Très électrique musicalement, enrobé d’une poésie noire. L’enregistrement de l’album n’a rien retenu de cet aspect. C’est de notre faute, on a lissé et négligé ce qui faisait notre force. Au vu du résultat, les gens sont un peu tombés de haut et l’ont dit ou écrit. Heureusement, des personnes de « qualité », Étienne Daho, les Noir Désir ou Miossec ont défendu cet album, ne retenant que la valeur des titres et non ses failles. Merci à eux, notre retour est en partie possible grâce à leur soutien. On se devait de refaire une copie correcte, dont acte.

Sur cet album figurait « La Force de l’islam » avec pour refrain : « La force de l’islam réside dans son fanatisme, son magnétisme, sa cruauté, l’Occident livré aux flammes et à la danse. » Vous avez expliqué en 2013 : « Certains y verront peut-être une attaque en règle contre la montée de l’islamisme, mais il ne s’agit pas du tout de cela. Ce texte fait plus référence au mysticisme chiite du Moyen Âge et à des mouvements comme le soufisme ou la secte des Haschichin. » En 2016, ce titre résonne pourtant comme une prophétie…
J’ai écrit « La force de l’islam » après la chute du Shah en Iran et l’avènement des mollahs. Donc il y a longtemps. Ces rassemblements de fanatiques dans les rues de Téhéran étaient, pour moi, hallucinants et bien sûr inquiétants. On n’avait pas vu ça depuis Nuremberg ou les funérailles de Mao. L’Inquisition nouvelle était en marche. Le présent me donne en partie raison. En revanche, la culture musicale arabisante est pour nous une source d’inspiration de premier ordre. De grands morceaux de rock ont puisé dans ces rythmes orientaux, je pense à « Kashmir » de Led Zep, « Paint it black » des Stones. C’est riche, hypnotisant et émouvant à la fois, donc on s’en sert. « Johnny Colère » est dans cette même veine hybride : mi-rock, mi-arabisant, comme un portrait de Lawrence d’Arabie chevauchant un chopper !

Vous ajoutiez, dans la même interview : « La plupart des textes des Nus, à l’image des « Années Reagan« , ont un fort positionnement politique. » Justement, pouvez-vous nous éclairer sur le sens politique de ce titre produit par Daho, « Les années Reagan » ?
« Les années Reagan » parle des États-Unis et de leur côté pervers. C’est l’eldorado vu de la vieille Europe, Hollywood en cinémascope sauf que sur place c’est une société dure et âpre. Wall Street commande et le peuple américain obéit. Mais en échange, il y a cette magnifique culture qui nous attire, en premier, le rock, en second le cinéma et toute cette littérature (Steinbeck, Bukowski…) et, pour finir, ces grands espaces faits pour les « Pierres qui roulent ». Je trouve nécessaire d’écrire sur les inepties des hommes politiques ou religieux. Plus beaucoup d’artistes se mouillent sur le sujet. Parfois, je m’y essaye. Je ne suis pas encarté, donc libre de pointer du doigt qui je veux.

Ce nouvel album s’inscrit, à trente-quatre ans d’intervalle, dans le droit prolongement du premier. Était-ce une façon pour vous de boucler la boucle ou bien ce disque représente-t-il malgré tout un nouveau départ ?
Les deux. Je l’ai dit plus haut, « il fallait terminer le boulot ». Notre héritage est à spectre large mais on a traversé quelques mouvements. Du psychédélisme au punk, en passant par la new wave et le blues boom, on a de quoi faire. Un programmateur radio a dit des « Années Reagan » que cela sonnait « old school », mais on le revendique. Entre un titre des Doors et un morceau de Stromae, j’ai vite fait mon choix.

Comment se sont passées les retrouvailles en studio après tant d’absence ? Que vous a apporté Étienne Daho sur le titre qu’il a produit ? Avez-vous une anecdote particulière ?
C’est particulier le studio. D’abord des réglages en pagaille puis ensuite garnir les pistes, bien mélanger le tout pour obtenir la chanson idéale. Il faut une patience de Sioux et une concentration que je n’ai pas. Étienne nous a épaté, il est resté 48 heures à la manœuvre et a obtenu le morceau qu’il avait entendu dans sa tête. Il a changé la rythmique, rajouté des guitares et m’a fait chanter cinq fois de suite le morceau. « Fais-le comme un punk » me répétait-il. N’empêche que « Reagan » sonne du tonnerre au final. Étienne est devenu un grand professionnel, c’est le secret de sa réussite à mon avis.

Vous figurez parmi les derniers représentants d’un rock racé, littéraire sans être pédant, mélodieux (la musique évoque les Doors et les Stranglers), au chant habité d’une intensité noire et de poésie décadente. C’est dire à quel point vous tranchez dans le marasme du marché. Qui trouve grâce à vos yeux dans le paysage musical actuel ?
Bizarrement, tout ça reste marginal dans le rock français. Écouter de la musique tout en lisant les paroles sur la pochette intérieure ne semble pas aller de pair. Cantat est resté un bon parolier, avec un peu moins de crédibilité certes mais showman d’exception et grand chanteur. La jeune génération ne m’épate pas. Quelques titres ici et là. Mais j’aimerais retrouver des chansons « tubes » qui redonneraient du lustre à un Top 50 en verve. Je veux réentendre du single ! Des mélodies qu’on chante sous la douche ou en voiture. Chez nous, « Reagan » ou « Le clown triste » ont ce potentiel. Pas beaucoup d’artistes sont capables de fournir un concept album.

A l’époque de votre premier disque, les enjeux n’étaient pas les mêmes qu’aujourd’hui. Comment appréhendez-vous la sortie du nouveau ?
Le premier album devait être un tremplin, il fut un précipice. Aujourd’hui,  nous sommes en phase avec cet album. Dommage que depuis dix ans les ventes de disques aient à ce point diminué !

Une tournée est-elle prévue ? Y aura-t-il un troisième album des Nus ?
Nous avons quelques dates de prévues pour 2016. L’année 2017 devrait être plus fournie. Un troisième LP, pourquoi pas, mais avant trente ans j’espère !

Verdict : ce nouvel album des Nus révèle sa belle saveur en effet « old school » au fil des écoutes, évoquant les grands espaces du rock des enfants terribles (Johnny Thunders, Jeffrey Lee Pierce, etc.) et en fait un excellent cru. Le disque a récolté 4 étoiles dans Rock&Folk (on lui en décerne au moins autant), signe des temps ?

En concert : à Paris, au Petit Bain, le 31 mai à 20h00.
Album : Les Nus, sorti le 18 mars (Label HYP).

Quand on ne supporte plus la production cinématographique française courante oscillant entre le narcissisme intimiste et le lourd prêchi-prêcha écolo-gauchiste, un biopic américain de bonne facture peut vous réconcilier avec le bonheur de se faire une toile, vite fait, bien fait, quand la vraie vie est un peu languissante, voire carrément chiante.

Dalton Trumbo de Jay Roach raconte l’histoire du bonhomme donnant son titre au film, un scénariste vedette d’Hollywood, dont la carrière fut brisée (enfin, pas tout à fait) par la furie épuratrice de la Commission des activités anti-américaines du Congrès des Etats-Unis, dirigée par le sulfureux Joseph McCarthy. Dalton Trumbo est le porte-drapeau de ces « dix d’Hollywood », réalisateurs, scénaristes, acteurs et techniciens qui refusèrent de répondre à cette commission qui exigeaient qu’ils déclarent leur appartenance, même passée, au Parti communiste des Etats-Unis, où à une association liée à ce dernier.

Cette chasse aux sorcières rouges, lancée dans les années 50 du siècle dernier, était un sous-produit de l’affrontement entre Washington et Moscou, au début de cette guerre froide, alors que l’on craignait qu’il n’aboutisse très vite au déclenchement d’une troisième guerre mondiale, alors que l’on était à peine sorti de la seconde…

Le fantasme d’une cinquième colonne, de l’ennemi intérieur minant les forces de résistance militaires et morales de la nation américaine se nourrissait de la peur engendrée par le développement d’armes terrifiantes, dont l’URSS de Staline était en voie de se doter, alors que les Etats-Unis en étaient, jusque-là les seuls possesseurs.

Le maccarthysme est aussi un gramscisme

Cette paranoïa avait quelque justification – même les paranos ont de vrais ennemis ! – si l’on veut bien, après coup, admettre que la bombe atomique soviétique doit beaucoup à l’activité d’espions américains au service de l’URSS, dont les plus emblématiques furent les époux Rosenberg, condamnés à mort et exécutés en 1953. Leur cas avait fait l’objet d’une propagande intense, orchestrée par Moscou, et relayée en Occident par les partis communistes locaux et leurs compagnons de route. Aujourd’hui, il est établi que Julius et Ethel Rosenberg étaient bel et bien des espions de haute volée…

Les anticommunistes américains n’étaient pas seulement des chasseurs d’espions, ils avaient aussi une conception « gramsciste » du combat politique, estimant que la lutte pour l’hégémonie culturelle était aussi importante, sinon plus, que la recherche de la suprématie militaire. Eliminer les « agents d’influence » de Moscou du « saint des saints » de la production culturelle des Etats-Unis, les studios d’Hollywood était, de leur point de vue, un objectif essentiel pour la défense du « monde libre » menacé par Staline.

Se soumettre ou être inscrit sur la  liste noire des interdits professionnels étaient le choix laissé aux sympathisants communistes de l’industrie filmique, qui tenaient, au lendemain de la guerre le haut du pavé  à la MGM, chez Warner Bros ou Paramount. La chasse aux « cocos » était conduite par un certain Ronald Reagan, acteur mineur, mais syndicaliste influent, et soutenue par des vedettes, comme l’acteur John Wayne ou le réalisateur à succès Cecil B. De Mille… Dalton Trumbo et ses dix camarades constituaient le noyau dur de la résistance, alors que d’autres figures d’Hollywood considérée comme « libéraux » c’est-à-dire de gauche, dénigraient leurs amis pour sauver leur job, comme Elia Kazan.

Cette histoire est racontée dans le film de Jay Roach avec maestria : un scénario sans temps morts, une reconstitution minutieuse de l’Amérique des années 50, des acteurs exceptionnels, dont le rôle-titre confié à Bryan Cranston et celui de la venimeuse chroniqueuse (pléonasme !) Hedda Hopper, magistralement interprétée par Helen Mirren… De la belle ouvrage, assurément…

Une histoire plus complexe qu’on nous le montre

Oui, mais… Une fois le charme du spectacle rompu, et un retour studieux vers la réalité des faits tels qu’ils apparaissent aujourd’hui grâce au travail des historiens, on s’aperçoit que l’édifiante histoire des « dix d’Hollywood » est plus complexe et plus contrastée que celle présentée dans le film. Celui-ci fonctionne sur le binôme bons/méchants, le camp du Bien étant incarné par Dalton Trumbo et ses camarades, celui du mal par leurs persécuteurs (McCarthy, Reagan, Wayne), et les lâches comme le grand acteur Edward G. Robinson, qui aurait « balancé » devant la Commission des activités anti-américaines pour sauver sa carrière. Dalton Trumbo ne peut donc qu’être un héros, bon camarade montant un système de prête-noms pour lui-même et ses amis blacklistés, afin de pouvoir continuer à travailler,  bon époux et bon père de famille. Qu’il ait, comme stalinien convaincu, profité, avant sa disgrâce, de son pouvoir à Hollywood pour empêcher l’adaptation à l’écran d’ouvrages dénonciateurs du communisme, comme Le zéro et l’infini et Le yogi et le commissaire, d’Arthur Koestler, ne cadrait pas dans le tableau, pas plus que son combat douteux pour empêcher les Etats-Unis d’entrer en guerre contre les nazis, avant qu’Hitler n’envahisse l’URSS…le film n’en parle donc pas.

A l’inverse, le cliché d’un John Wayne manipulé et complètement stupide, propagé par les « progressistes » est présent, alors que le temps a fait litière de cette simplification outrancière : John Wayne était un patriote américain sincère, dont l’intellect n’était pas le moins développé dans le monde des stars d’Hollywood. Le film est également très injuste envers Edward G. Robinson, qui s’était engagé, malgré son âge avancé, dans l’armée du débarquement en Normandie, à qui il n’est prêté que des motivations matérialistes à son « lâchage » de la bande des Dix, alors qu’une vraie divergence politique avait séparé cet homme de gauche de la fraction ultra-stalinienne du show-biz hollywoodien. Le réel, comme toujours n’est pas noir et blanc, mais se révèle sous plusieurs nuances de gris.

En creux, pourtant, Dalton Trumbo, le film, peut être perçu comme une ode au capitalisme, celui des studios hollywoodiens qui se fichent des opinions de ses serviteurs, pourvu qu’ils lui fournissent un bon travail, sous leur nom de préférence, derrière un homme de paille si nécessaire. Dans l’autre camp, celui de Moscou et de Staline, le sort des artistes de talent déplaisant au pouvoir était scellé d’une manière autrement plus radicale.

Comme a dit John Wayne, alias Tom Doniphon, dans L’homme qui tua Liberty Valance : « This ist the West, Sir, when the legend become fact, print the legend ! » (« Ici c’est l’Ouest, Monsieur, quand la légende devient réalité, imprimez la légende !). Ou faites-en un film…